Es gibt Künstler, deren Werk uns umso stärker berührt, je mehr ihre Erfahrung mit einer persönlichen Geschichte eng verknüpft ist.
Diese Nähe habe ich während der gesamten Lektüre von Autoportrait von Hans Hartung gespürt. 1976 veröffentlicht und 2016 neu aufgelegt, war dieser autobiografische Bericht kein Bestseller, ist aber nach wie vor als E-Book erhältlich.
Es ist ein Bericht, der seine persönliche Geschichte mit amüsanten Anekdoten aus seinem familiären und künstlerischen Umfeld verbindet und eine bewegende Schilderung der dunklen Jahre enthält, die er durch seinen mutigen Einsatz an der Seite der französischen Streitkräfte erlebte. Es ist schließlich ein faszinierender Zugang zu seinem Schaffensprozess, seiner Sicht auf die Kunst und – zwischen den Zeilen – eine Kritik an den Auswüchsen des Marktes.
Er vertritt zudem eine Überzeugung, die uns am Herzen liegt: die einer Kunst, die für alle zugänglich ist.
Vor allem aber ist es eine wunderschöne Lebenslektion, die er uns mit Bescheidenheit vermittelt. Dieses Buch lässt uns den überzeugten Menschen, der er war, und den leidenschaftlichen Schöpfer, der er sein ganzes Leben lang blieb, intimer wiederentdecken.
„Die Lebensfreude und die Freude am Malen sind für mich eins.“
Genese: Von den alten Meistern zum Aufbruch in die Abstraktion
Die Geschichte beginnt im geschützten Rahmen eines kultivierten Umfelds, einer protestantischen Familie des gehobenen deutschen Bürgertums. Mehrere Elemente werden in diesem Zusammenhang häufig genannt: seine Leidenschaft für Astronomie, die alten Meister Rembrandt, Ruisdael, Wouwermans, Hals. Ein Schlüsselerlebnis vor einem Gemälde von Rembrandt besiegelt seine Berufung ganz besonders:
„Nachdem ich ‚Die Familie‘ gesehen hatte, wusste ich, dass ich Maler werden würde.“
Auf diesen ersten Seiten finden sich die ersten formalen Untersuchungen mit Aquarell oder Tinte, seine „Flecken“. Er berichtet von der Zurückhaltung seines Vaters gegenüber seinem Wunsch nach einer künstlerischen Laufbahn. Es zeichnet sich auch ein bewegter historischer Hintergrund ab: das bedrückende Klima der Weimarer Republik, der sich verdunkelnde Horizont. Schließlich seine Entdeckung der französischen Kunst und die Notwendigkeit, sich in Paris niederzulassen. Diese Erfahrungen bestätigen seinen Drang zur Malerei.
Die dunklen Jahre: Exil, Gestapo und die Entscheidung für die Würde
Zu Beginn der 1930er Jahre markiert der Tod seines Vaters den Beginn einer Zeit der materiellen Unsicherheit und politischer Angst. Sein Vater hatte ihn übrigens mit prophetischer Klarheit gewarnt: „Hitler ist für Deutschland die größte Gefahr. Man muss ihn ernst und sogar tragisch nehmen.“
Nach seiner Begegnung mit Anna-Eva Bergman berichtet er von ihrem Umzug nach Menorca und von der ebenso malerischen wie unglücklichen Erfahrung ihres dortigen Lebens, wo sie fälschlicherweise der Spionage beschuldigt und ausgewiesen wurden.
Zurück in Berlin wird Hartung von der Gestapo verhaftet und verhört. Er flieht erneut nach Paris.
Dort knüpft er entscheidende Freundschaften mit der Avantgarde der École de Paris: Henri Goetz, Alberto Magnelli, Jean Hélion, der Architekt Paul Nelson, Alexander Calder, aber auch Georges Braque, Joan Miró und Henri Matisse. Er beginnt sich einen Namen zu machen, stellt unter anderem 1936 in der Galerie Pierre aus und dann auf der Weltausstellung von 1937, wo er zwischen Fernand Léger und Miró hing. Es ist auch die Zeit, in der er Julio González kennenlernt, für den er zeitlebens eine immense Bewunderung hegen wird (er heiratet später dessen Tochter Roberta).
Freiwilliger Soldat: Eine gespiegelte Laufbahn
Für Hartung ist Abstraktion kein ästhetischer Rückzug aus der Welt. Er zieht eine sehr klare Grenze zwischen der geometrischen Abstraktion, die eher theoretisch ist, und der lyrischen Abstraktion, in die er Sensibilität, Psyche und Emotion einfließen lässt. Für ihn ist Malen ein Akt der moralischen Gesundheit. Während die Nazis seine Arbeit als „entartete Kunst“ einstufen, lehnt er jeden Kompromiss ab: Bei seiner Malerei nachzugeben, schreibt er, hätte bedeutet, in allem nachzugeben.
Von seiner protestantischen Erziehung bewahrt sich Hartung ein absolut anspruchsvolles Verhältnis zu seinem eigenen Gewissen. Er beobachtet mit Scharfsinn die Spiritualität der Menschen angesichts des Todes und stellt die „Magie“ gewisser Liturgien der protestantischen Tradition gegenüber, die auf einer „direkten, wenn auch so schwierigen Konfrontation des Menschen mit Gott“ basiert. Diese Haltung moralischer Integrität und individueller Verantwortung, ohne Vermittler oder Kunstgriffe, charakterisiert sowohl seine künstlerische Ethik als auch seine Lebensentscheidungen.
Diese Strenge führt ihn logischerweise zum Handeln. Er schreibt sich auf die Liste der Freiwilligen ein und tritt der Fremdenlegion in Sidi Bel Abbès bei, wo er unter anderem den Speisesaal des Lagers bemalt. Nach dem Waffenstillstand weigert er sich, in das Nazi-Deutschland zurückzukehren, und schlägt sich später illegal nach Spanien durch. Interniert in einem spanischen Konzentrationslager, wird er dort zum „öffentlichen Maler“, um zu überleben.
Hier erschüttert mich sein Werdegang ganz besonders. Er findet ein direktes Echo in meinem eigenen Familienerbe: Der Großvater meines Mannes hat sich ebenfalls freiwillig zur 2. Panzerdivision von General Leclerc gemeldet. Wie Hartung hat er die Grenze im Südwesten überschritten, die spanischen Gefängnisse kennengelernt, bevor er sich Casablanca und den Freien Französischen Streitkräften anschloss. Zu sehen, wie sich zwei Schicksale, die unterschiedlicher nicht sein könnten, unter dem Banner der Freiheit kreuzen, ist zutiefst bewegend.
„Ich hatte das Gefühl, um mit mir selbst im Reinen zu sein, dass ich, wenn es Gerechte in Deutschland gab, einer von ihnen sein musste.“
In Casablanca in die Armee von General Giraud integriert, zieht er über Marseille weiter. Im Herbst 1944, als er bei den Kämpfen im Osten nahe Bure als Sanitäter dient, wird er schwer verwundet. Er wird als Amputierter daraus hervorgehen.
Resilienz, Aufruhr und Erneuerung seiner Praxis
Der weitere Verlauf sagt viel über seine Resilienz aus, über seinen Glauben an die Malerei und die Notwendigkeit, trotz physischer und materieller Schwierigkeiten weiterzumachen. Nachdem er einen Großteil seiner früheren Arbeiten verloren hatte, konnte er aufgrund großer finanzieller Prekarität weder leicht ausstellen noch malen. Um weiterzumachen, wurde er Vermittler und bot die Arbeiten seiner Kollegen zum Verkauf an.
In den 1950er Jahren kommt endlich die Anerkennung: erste große Ausstellungen, prestigeträchtige Galerien, die ihm ihre Türen öffnen, dann die Weihe auf der Biennale von Venedig. Es ist ein Wendepunkt in seinem Schaffen, an dem er sich neu erfindet und mit neuen Techniken, Medien und Materialien experimentiert. In seinen Schriften zeigt sich eine zehnfache Wut zu existieren und Lust zu erschaffen:
„Es ist dieser Drang, der mich antreibt: der Drang, die Spur meiner Geste auf der Leinwand, auf dem Papier zu hinterlassen.“
Er bläst, er krallt, er kratzt. Der Kunstkritiker Charles Estienne bezeichnet ihn daraufhin als „Maler der Aktion“.
Die Lithografie als Ethik der Verbreitung
Wie andere Künstler dieser Zeit, etwa Manessier oder Lanskoy, feiert Hartung die Lithografie als ein eigenständiges Medium, das sich von seiner Malpraxis unterscheidet.
„Sie ist zu einer meiner bevorzugten Techniken geworden“
Sie ermöglicht ihm die Arbeit an großen Flächen, an Transparenz und Monochromie. Das Experimentieren mit verschiedenen Druckverfahren (Lithografie, Kupferstich oder Holzschnitt) hat ihm direkt geholfen, seine Art zu malen zu erneuern.
Er sieht darin auch eine wesentliche ethische Dimension: Als finanziell erschwinglichere Technik ermöglicht die Original-Lithografie „jungen Amateuren“, echte Kunstwerke zu erwerben, ohne der Marktspekulation ausgesetzt zu sein.
So bewahrt sich Hartung eine bewusst großzügige Vision von der Rolle des Schöpfers. Er lehnt die übertriebene Kommerzialisierung und Spekulation, die sein Werk zu Lebzeiten umgab, ab und blieb stets um den freien Umlauf der Werke und das Teilen mit Liebhabern bemüht:
„Kunst sollte niemals als absolutes Eigentum betrachtet werden, sondern eher als ein Gast auf Zeit.“
Das ist auch die Überzeugung, die uns bei Studio cinquante antreibt: echte Kunstwerke, die man bei sich zu Hause aufnimmt, zugänglich und als Überbringer von Geschichte. Entdecken
Wenn man nur einen Satz aus diesem *Autoportrait* behalten müsste, wäre es wahrscheinlich dieser, der das Leben und die Ethik dieses außergewöhnlichen Mannes auf den Punkt bringt:
„Was mir wichtig ist, ist, mich weder von anderen noch von mir selbst einsperren zu lassen.“
Ein Glaubensbekenntnis, das weit über die Malerei hinausgeht und unsere Art, die Kunst und die Welt zu betrachten, heute mehr denn je beleuchtet.
Wenn Sie durch diese Lektüre Lust bekommen haben, Hartung anders zu betrachten, entdecken Sie unsere Auswahl an Werken.
Quellen:
Autoportrait, Hans Hartung 1976
Fondation Hartung Bergman
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